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El concepto de las ciudades como entidades vivas ha originado una interesantísima serie de expresiones artísticas de toda índole, pero ninguna ha logrado interpretar de mejor forma los códigos urbanos como las expresiones de arte callejero que aparecen en los suburbios de las grandes metrópolis.

La intervención del espacio público no es un concepto nuevo, pero en años recientes ha cobrado relevancia al romper barreras arquetípicas y abordar temas de interés mundial. Figuras como Banksy han inspirado a una vibrante generación de artistas, como el francés Edouard Egea, quien al lado de su compatriota Louis Boidron han emprendido una interesante trayectoria artística a partir de la intervención del espacio público con su proyecto Monkey Bird.

Para conocer un poco más de su obra y sus conceptos sobre el arte y los códigos urbanos, platicamos con Edouard Egea.

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¿Quién es Edouard Egea y cómo surge tu interés por el arte?

Me llamo Edouard Egea. Nací en 1990 y empecé el grafiti a los 16 años. Cuando obtuve mi BTS (diploma de técnico superior) en diseño (5 años de estudio después del bachillerato), dejé un poco el grafiti para dedicarme a la concepción y creación de objetos y de muebles. Luego, en 2010, empecé con las plantillas. Quería transcribir con más sutileza mis dibujos.
Ahora, me dedico únicamente a las plantillas y tenemos mucho éxito.

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¿Cómo nace el concepto de Monkey Bird?

Monkey Bird es la asociación de dos artistas (diseñador y ilustrador): Louis Boidron y yo. Empezamos en el 2010 en Burdeos donde nos conocimos. A esta época, había muy poco arte urbano en esta ciudad. Para nosotros, las plantillas eran la respuesta que nos iba a permetir transcribir nuestros dibujos hechos con punta fina. La idea era acercarnos al proceso anejo al “blase” de la cultura del grafiti.

Queríamos crear algo ilustrado y emblemático que transmitía una cierta sensibilidad poética y que fuera accesible a todos. Lo que queríamos hacer se hizo de manera muy natural. Queríamos elaborar también “fabulas totémicas, emblemáticas” para tratar del ser humano a través de los animales.

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Durante 3 años, practicamos nuestra técnica así como nuestras creaciones en las calles de Burdeos. Éramos los únicos en utilizar esta técnica artística. Nos dimos rápidamente cuenta del gran interés del público hacia nuestro trabajo. Fue en ese momento que decidimos desarrollar nuestro universo y nuestro compromiso y hacer de nuestra pasión nuestro trabajo. Varios artistas del arte urbano empezaron a interesarse en lo que hacíamos, lo cual nos ayudó rápidamente a desarrollar nuestro arte.

Vivimos en Paris desde hace 3 años y nuestra actividad es bastante variada: exposiciones, proyectos públicos y privados, obras urbanas y colaboración con varias galerías.

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¿Cuál es el discurso artístico de Monkey Bird?

La ideología de Monkey Bird representa el ser humano en nuestra sociedad actual.
El pájaro simboliza el alma humana, como vehículo de varias nociones de apertura, como la libertad, la evasión y el juego del espíritu. El mono refleja lo primitivo del ser humano a través de su aspecto corporal y paradoxalmente, los medios que utilizamos para resistir a nuestra propia naturaleza. Eso refleja las bases de la arquitectura y del mundo social. El ser humano en movimiento, animado por sus obsesiones materiales y sus deseos de libertad, tiene que encontrar su equilibrio para transformarse en “animal social”. Desarrollándose dentro de dos elementos principales: la tierra y el aire, que reflejan lo negro (la materia y la envoltura carnal) y lo blanco (la luz y el espíritu).

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Nuestra técnica es pluridisciplinaria por nuestras formaciones universitarias diferentes: grafismo y diseño. La primera etapa de la concepción es el dibujo. Somos artesanos porque creamos nuestras propias herramientas. Nuestros dibujos nos permiten tener una plantilla capa única estética y funcional. Esta técnica nos permite centrarnos en el trabajo de densidad lineal y de luminosidad. Una vez en la pared, eso da un carácter y una existencia nueva al dibujo. Las plantillas están hechas a mano y pueden ser modificadas al usarlas. Esta técnica recuerda el grabado y propone una concepción contemporánea del artesano del arte. No queremos imponer una sola significación.

Queremos jugar con las nociones de contradicciones, y lo que provocan. De esta manera, trabajamos en blanco y negro, enfrentando el pájaro al mono. Hacemos un trabajo muy meticuloso y muy a menudo ilegal como por ejemplo, cuando hacemos obras gigantescas o efímeras. Nuestro compromiso moral se encuentra en el acto mismo, al exponer en el corazón de las ciudades, el resultado de varios años de trabajo y de horas de recorte. Llegamos a transformar una pared anónima en un monumento comunitario.

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¿Por qué elegiste pasmar tu trabajo en el espacio público en lugar de exponerlo en una galería?

El trabajo en las calles es una parte esencial de nuestra actividad. Así contextualizamos nuestro arte: una vieja puerta abandonada puede volver a la vida cambiando su función inicial por algo estético. El arte urbano es también para nosotros un medio para enseñar algo bonito a la gente. En efecto, no queremos dar una única significación a nuestra obra, entonces el público podrá tener su propia interpretación.

La calle es nuestro lugar de experimentación, nuestro museo abierto donde la actividad humana impone su devenir. El arte urbano puede así cambiar y adquirir una nueva significación. Trabajar en galerías es esencial para hacer conocer nuestro trabajo y para desarrollar nuestro universo platico. Es un medio de archivar nuestras obras. El mercado del arte da fineza a nuestras creaciones. En el taller, creamos obras diferentes y especiales, y eso, nos encanta. Nos permite probar nuevas técnicas imposibles hacer en la calle.

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¿Qué opinas del concepto de street art como expresión de moda?

Para mí, el arte urbano es un movimiento artístico muy particular con sus cualidades y sus defectos. Es un movimiento popular en él que todo el mundo puede decir “Yo soy street artist”. La mayor parte del arte urbano es poco creativo con muchas reinterpretaciones y obras técnica y conceptualmente pobres. Generalmente, lo que podemos ver en la calle y en las galerías representa muy mal la riqueza de lo que realmente es el arte urbano. Muchos artistas talentosos no son justamente representados. Lo que hace la fuerza de este movimiento es su diversidad: caligrafía, grafiti, grabado, plantilla, pintura, escultura… Es un arte de creación, un arte del gesto, podemos decir que es nuestra nueva artesanía.

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¿Cuál es la principal diferencia entre el grafitti que se puede ver en México y el estencil que usas en tu obra?

En Francia, el grafiti es ilegal, salvaje. Notamos que la jerarquía es muy presente en esta disciplina. Hay que respetar los códigos y las reglas porque hay que tomar posesión de un territorio. Me fascinan la libertad de los grafiteros y sus deseos de no conformidad. El grafiti siempre está evolucionando, es lo que hace su especificidad. Todo el trabajo que hay con las letras refleja la libertad de expresión, es decir, el desarrollo de nuestras sociedades.

Es diferente con las plantillas. Hay poca competición entre los artistas porque cada uno crea su universo. Los artistas urbanos que utilizan plantillas intentan encontrar sus temas de creación para crear sus propias identidades. Las plantillas nos permiten realizar con precisión un trazo que resulta imposible con un spray. Con esta técnica, resulta sencillo crear un dibujo de tamaños diferentes. La sutileza final es muy importante. Usar las plantillas en las calles es más sencillo y rápido. Este arte queda muy poco utilizado en Francia a pesar de las muchas posibilidades que ese ofrece.

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¿Pudiste ver obras de street art mexicano a tu paso por nuestro país?

Desgraciadamente, no pude ver bastantes obras con plantillas durante mi viaje a México para poder hacer una buena comparación. Las pocas que pude ver, me sorprendieron muchísimo. ¡Son enormes! El universo plástico es muy colorido y lleno de historia, mucho más que aquí, en Francia. Las obras me parecieron muy políticas y críticas. El muralismo mexicano es internacionalmente conocido y espero un día poder hacer una obra permanente gigantesca en este maravilloso país.


¿Qué opinión te merece figuras con la relevancia mediática de Banksy?

Banksy es una referencia para mí. Siempre me ha fascinado la autenticidad de sus obras, sobre todo ideológicamente. Banksy es obviamente un artista contemporáneo, que se atreve a criticar la sociedad actual.

¿Por qué sigue siendo importante el arte? ¿Cuál es su función en comunidades tan obsesionadas con la auto validación en las redes sociales?

El arte siempre será importante en nuestras sociedades. Fomenta un espíritu de apertura. La cultura es fundamental, es la base de nuestras sociedades, de nuestra historia. El arte es la influencia de nuestro mundo y de cada generación.

Hoy en día, utilizamos las redes sociales para hacernos conocer y compartir nuestro trabajo. Sin embargo, creo que hay que tener cuidado porque, por ejemplo, los “like” no representan siempre la cualidad de una obra. Para mí, estas redes permiten poner en contacto los profesionales del arte con los artistas con el fin de ayudarles a hacerse un nombre en este mundo de tan difícil acceso.
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